Hola, soy Lancelot Narayan. Bienvenidos al audiocomentario
de Hasta que llegó su hora, de Sergio Leone.
Contaremos con sir Christopher Frayling,
autor del libro Sergio Leone: Algo que ver con la muerte,
el historiador de cine Sheldon Hall,
los directores Alex Cox, John Milius, John Carpenter, Bernardo Bertolucci
y la actriz protagonista, Claudia Cardinale.
Empezamos con sir Christopher Frayling,
que nos Ileva a las clásicas escenas del principio.
Una estación desierta en medio de la nada,
en algún lugar de Arizona, pero en realidad estamos en España,
cerca de un pueblo Ilamado Guadix, en la Estación de Calahorra.
Tres pistoleros con aire amenazante entran en la estación.
Llevan guardapolvos largos,
un tipo de gabardina habitual de los westerns americanos,
producto de la investigación de los diseñadores y de Sergio Leone,
a quien le parecían formidables.
Los tres pistoleros son
Woody Strode, el gran actor fordiano negro,
Jack Elam, que hace de malo en muchos westerns de Hollywood,
y Al Mulock, un misterioso actor canadiense,
que protagoniza su úItimo papel.
La sra. De Woody Strode da vida a la mujer india.
Están amenazando al jefe de estación.
El diseño de esta estación es interesante,
está hecha de maderas mal colocadas,
hay traviesas en el suelo y una vía que atraviesa la estación.
Uno de los pistoleros pone cara de gato a un pájaro enjaulado.
Tienen la típica actitud de macho amenazante.
En las películas de Leone suele haber un viejo loco,
como en La muerte tenía un precio.
En este caso es el jefe de estación.
Intenta venderles billetes, pero Jack Elam no quiere comprar.
Esta escena, por supuesto, se basa en las escenas equivalentes
de Solo ante el peligro, de Fred Zinnemann, de principios de los 50,
donde tres pistoleros esperan en la estación de Hadleyville,
una estación más iluminada y limpia, en un estudio de Hollywood.
Los protagonistas de Solo ante el peligro
son Lee Van Cleef, Sheb Wooley y Robert Wilke.
Le dan un empujón al viejo.
La puerta se cierra con un sonido natural amplificado...
...y vemos, como si hiciera falta, "Una película de Sergio Leone".
Toda la banda sonora de esta escena
está basada en sonidos naturales amplificados.
Puertas que chirrían y se golpean, el pájaro,
el "chi-chi-chi" de la cara de gato, pisadas en la arena
y un molino de viento que necesita aceite
chirría a Io lejos durante toda la escena.
Originalmente, había un tema compuesto por Ennio Morricone.
Pero no quedaba bien
y decidieron componer la banda sonora
de una manera muy compleja para los 60,
con sonidos naturales. Es como una gran representación artística.
Un ballet de sonidos naturales.
Se basa en los experimentos de Morricone con la música avant-garde.
Asistió a una actuación donde alguien estaba en el escenario,
primero en silencio, después ponía una escalera metálica ante el micro
y el chirrido de la escalera duraba unos 15 ó 20 minutos.
Esta filosofía, basada en los experimentos de John Cage,
afirma que todo sonido natural es música. Es cuestión de contexto.
En un auditorio, una escalera chirriante es música.
De esa idea básica salió el concepto para esta banda sonora.
Es el molino chirriante, el silbido del viento,
el crujir de los nudillos y demás.
Pero está compuesta con sonidos naturales,
mientras que para el resto de la película se basa en música.
En lugar del andén típico de las películas de Hollywood,
aquí hay traviesas tiradas.
Una señal de que la vía está en proceso de construcción.
La pizarra indica que el tren tiene un retraso de dos horas.
Ellos han venido a cumplir su encargo, pero el tren,
al contrario que el de Solo ante el peligro, va a Ilegar tarde.
En esta escena vemos cómo pasan el tiempo,
muertos de aburrimiento, esperando para matar a alguien,
y cómo se comportan en estas circunstancias enervantes.
El sonido del telégrafo está irritando a Jack Elam.
Arranca los cables y en lugar de pararse solo el telégrafo,
el molino y los demás sonidos se paran también.
Es una banda sonora artificial.
Al arrancar los cables, toda la banda sonora se detiene.
Después, el ruido del molino vuelve lentamente.
Woody Strode está debajo de una gotera de agua sucia
que cae sobre su calva estupenda.
Este ex jugador de fútbol americano aparece en westerns de John Ford
como El sargento negro y El hombre que mató a Liberty Valance,
y el trabajo de Sergio Leone consigue
que ésas y otras películas de John Ford estén presentes.
Al Mulock aparece en varios westerns italianos,
incluida una película de Lee Van Cleef. Es el de los nudillos.
Jack Elam trabajó en Solo ante el peligro,
donde hizo de borracho del pueblo, a principios de los 50,
y Leone se acordó de esta cara de malo de Hollywood,
un rostro impresionante, con ese ojo vago.
En vez del agua o los nudillos, a éI le toca la mosca.
Le pregunté al director de producción cómo hizo esto.
Untaron la cara de Jack Elam con mermelada
y Ilenaron un tarro de moscas. Las dejaron salir una a una,
esperando que una se le posara en la barbilla, y quedó muy bien.
Se presta más atención al destino de esta mosca
que al de algunas personas más adelante en la película.
Los efectos sonoros aumentan, los nudillos se oyen más alto,
al igual que el zumbido de la mosca y el goteo del agua,
y esta muestra de arte sonoro destaca por sí sola.
Leone combina con maestría
primeros planos de caras descuidadas con paisajes épicos.
En sus películas hay primeros planos en techniscope,
que muestran cada poro, cada detalle de la fisionomía,
y tienen como fondo la geología de América, o España.
Hace cortes cruzados de las caras y los paisajes.
La escena que abre El bueno, el feo y el malo muestra a Al Mulock,
nuestro tercer pistolero,
cortando el paisaje y se oye el aullido de un perro.
Caras descuidadas en primer plano y largas tomas épicas.
La mosca sube por el banco y Jack Elam saca la pistola.
¿ Es una copia de la escena de Buster Keaton en Rostro pálido,
en la que la mata? No.
La atrapa en el cañón de la pistola y empieza otro sonido,
un "ñiuuu, ñiuuu, shuun, shuun"
mientras la mosca vuela asustada de un lado a otro del cañón
y Jack Elam sonríe. Extraordinario.
El ojo tiene que destacar de manera graciosa.
Muchísimo énfasis en los detalles físicos.
Leone coleccionaba antigüedades.
Le encantaban la artesanía y los objetos refinados.
Le encantaba la calidad táctil de los materiales.
Una toma del tren desde abajo.
Ford fue el primero en usar esta toma en El caballo de hierro, 1924,
donde el tren ayuda a los blancos del pueblo durante un ataque indio.
Es la segunda referencia a un western americano, Solo ante el peligro,
y luego se alude a El caballo de hierro.
Woody Strode escribió en su autobiografía, Gold Dust,
que en 20 años en Hollywood nunca tuvo estos planos.
En Los profesionales, con Claudia Cardinale, que acababa de hacer,
tiene solo tres primeros planos. Pero aquí hay muchos.
Y esta aparición de diez minutos
es probablemente su intervención más memorable en una película.
El seguro del rifle es como el de John Wayne.
Es una alusión a la película Rio Bravo de Howard Hawks.
El sofisticado seguro del gatillo es otra referencia consciente
a todos los westerns que han visto los escritores y el director.
"Dirigida por Sergio Leone" aparece delante del tren,
como parándolo, como haciendo de tope.
Y un nuevo efecto sonoro, el silbido y el resuello del tren,
porque la caldera continúa mientras ellos esperan.
Ahora, en Solo ante el peligro, estarían esperando al malo.
Aquí están esperando al bueno.
Se usaron dos locomotoras en esta película.
El director artístico Carlo Simi
hizo que pareciesen locomotoras americanas.
Son trenes españoles adornados como trenes de western
y éste era uno de ellos.
Creen que la persona no ha venido. Tanto esperar para nada.
Están a punto de irse.
Lo que los para es el sonido de una armónica.
Un momento de suspense.
La cortina se abre en forma de vagón de tren
y aparece el personaje principal. El hombre de la armónica.
Un hombre sin nombre protagonizado por Charles Bronson.
Leone me dijo que la armónica de Bronson es la guitarra de Johnny.
Cuando Sterling Hayden entra en el bar en Johnny Guitar,
se mantiene el suspense con un vaso que rueda por la barra,
la cámara sube y le vemos la cara. Aquí también se crea suspense,
mediante el tren que nos descubre la cara de Bronson.
Bronson siempre sale de detrás de columnas o cortinas.
Aparece y desaparece de escena.
Como si controlase tiempo y espacio de manera sobrenatural.
Su primera aparición. Lo descubren ahí, sencillamente.
El primer diáIogo. La película ya ha avanzado,
pero éstas son las primeras palabras.
El ferrocarril en primer plano y de eso trata la película.
Una de las fuentes de conflicto es la construcción de la vía.
"Sobran dos". Es la estupenda frase de Bronson. Es casi cómica.
"¿ Habéis traído un caballo?"
"Parece que falta un caballo". "Sobran dos".
Casi hay que reírse. Es diáIogo de western Ilevado al extremo,
pero maravillosamente escrito.
A pesar de la tensión gradual, la escena violenta es muy rápida.
En las películas de Sam Peckinpah
el momento de la violencia se prolonga con cámara lenta.
A Leone le interesan los rituales que preceden a la violencia,
no la violencia en sí.
Dos de las estrellas invitadas, Jack Elam y Woody Strode,
están muertos antes de que empiece la película.
Esta película va a ser muy extraña.
Carlo Simi, director artístico,
dijo que cuando rodaron el molino, un ayudante comentó:
"¿ Le ponemos aceite? Chirría un poco".
Y Leone dijo: "Si Io tocas te estrangulo".
Quería ese increíble chirrido que rechina y te pone de los nervios.
Harmonica se levanta, pero los otros tres están muertos.
La segunda gran secuencia
es el siguiente grupo de alusiones a los westerns de Hollywood.
Al principio de Raíces profundas, de George Stevens,
un niño apunta a un ciervo con un rifle de madera
y la cornamenta enmarca a Shane Ilegando del desierto.
Aquí también hay un niño jugando a cazar,
en este caso conejos, pero es una alusión directa
a los primeros instantes de Raíces profundas, de George Stevens.
Tenemos las cigarras, el sonido de los grillos y el desierto español.
Esto se rodó más al sur de España.
Mientras que la estación estaba en Calahorra cerca de Guadix,
esto es en Almería, a unos 16 km de Tabernas.
El decorado continúa allí hoy como atracción turística.
El pequeño Timmy juega
exactamente igual que Joey Starrett en Raíces profundas.
Es la familia McBain. Cuando estaban escribiendo el guión,
los escritores, inicialmente Bertolucci, Argento y Leone,
y después el guionista Sergio Donati, buscaban referencias americanas.
Pensaron en thrillers, Ed McBain, Brett Halliday,
autores de novelas policiacas.
Llamemos al hombre Brett McBain por Brett Halliday y Ed McBain.
El niño se Ilamará Timmy McBain y Maureen McBain, la hija,
la hermana del niño, está en casa.
Sale cantando la canción Danny Boy.
Es una alusión a la película Pursued de Raoul Walsh,
en la que una escena parecida, con mantel de cuadros y comida familiar,
se adorna con una caja de música que toca Danny Boy
y todo el mundo canta, incluidos Robert Mitchum y Teresa Wright.
Esto es una reunión familiar y la canción irlandesa es un símbolo.
De repente, el silencio.
Algo pasa en el desierto. Las cigarras han dejado de cantar.
Y estos momentos son una alusión más,
esta vez a Centauros del desierto, de Ford,
con el rancho en el crepúsculo, en Monument Valley,
y el silencio repentino,
con los cerros y las mesetas de Monument Valley a Io lejos.
En Raíces profundas, son los indios comanches enviándose señales
y a punto de iniciar la matanza en el rancho.
Pero aquí no son los indios comanches, como veremos.
A Brett McBain Io interpreta Frank Wolff,
un actor expatriado que había trabajado en América
y que haría el papel de sheriff en un western italiano clásico,
The Big Silence, que cuenta con otro gran trabajo de Morricone,
poco tiempo después.
Ahora conoceremos a Patrick, otro miembro de la familia.
Conocemos a Timmy y a Maureen, y aquí está Patrick, el tercer hijo,
que va a conocer a su nueva madrastra.
Están preparando un banquete en el desierto.
El mantel de cuadros es una imagen de la vida doméstica y familiar.
Se preparan para la Ilegada de Claudia Cardinale, que hace de Jill.
Es típico de los westerns de Hollywood,
una escena de reunión familiar, de baile, de celebración,
interrumpida por algo siniestro.
Normalmente son indios americanos en el desierto,
pero en este caso son los malos.
Esta yuxtaposición de los rituales de la vida familiar
con el terror de vivir en el desierto salvaje
es uno de los momentos clave de los westerns de Hollywood.
La casa es interesante, está hecha de troncos sólidos.
Perteneció al decorado de una película de Orson Welles.
Pero es más consistente de Io que debería ser.
Tiene un tejado de dos aguas, dos pisos, balcón.
Está hecha para durar.
Leone quería una casa que para un irlandés como McBain
fuera el sueño de una vida,
y el pozo es aquí un elemento clave.
Una casa construida para durar varias generaciones.
No se necesita una casa así para tres hijos,
sobre todo si no hay terreno para granja y cultivo.
Lo único que hay es agua y una casa muy sólida.
De hecho sigue en pie.
En unas condiciones casi tan buenas como entonces.
Uno de los diseños más interesantes de Carlo Simi.
Otra vez el silencio, el aumento de la tensión.
Hay algo ahí fuera y no saben qué es.
Los pájaros son otra alusión a Centauros del desierto.
A Maureen le encantan, pero ¿qué les pasa?
¿ Es que hay alguien cazando? ¿ Va a caer uno del cielo?
No, los ruidos vienen de otra parte.
La primera bala alcanza a Maureen.
El propio Brett es el segundo en caer. Y Patrick es el siguiente.
Una auténtica matanza de toda una familia.
Aquí Ilega Timmy, que se encuentra con el horror
de ver a sus seres queridos en el suelo
alrededor de esta comida que iba a ser una gran celebración.
La música sube. Oímos por primera vez este tema,
Ilamado Like a Judgement,
con trompeta y guitarra, para representar el personaje de Fonda
y para representar la venganza, que es el tema de la película.
De manera operística, la música sube cuando Timmy sale
y estos personajes salen de detrás del arbusto,
con esos guardapolvos largos,
igual que Jack Elam y sus amigos en la estación.
Pero no se ve quiénes son.
El líder de la banda le pasa el rifle a un secuaz,
pero las caras están ocultas deliberadamente.
El tronco de árbol, una constante en las casas del oeste salvaje,
igual que en Raíces profundas. Así hicieron la casa, de árboles.
Una toma desde atrás de estos cinco tipos tan siniestros
con sus abrigos largos, frente a este niño
inocente e indefenso, que sujeta una botella.
La cámara se mueve en círculo y vemos a la altura del hombro
la mejilla manchada de tabaco, el primer plano de Henry Fonda.
Leone quería que la gente dijera: "¡ Dios mío! ¡ Es Henry Fonda!".
No conciben que el responsable de una masacre,
que sonríe de manera tan cruel con esos hermosos ojos azules,
sea al hombre que interpretó al joven Lincoln y a Wyatt Earp,
y que dijo que interpretar a Lincoln fue como interpretar a Jesús.
Esos ojos sonríen...
...mientras miran al niño.
Es un momento increíblemente malvado y siniestro.
La imagen cinematográfica de Fonda se derrumba.
Este hombre es un psicópata. Ésa era la finalidad del reparto.
"Ya que has dicho mi nombre..."
El otro ha dicho "Frank", así que el niño tiene que morir.
Cuando esta película salió en la televisión americana,
siempre cortaban este momento.
Aprovechaban para meter los anuncios
y pasaban a la siguiente escena, cuando Ilega la locomotora.
Mantenían la ambigüedad. La idea de que el sacrosanto Henry Fonda
hiciera algo tan horrendo era inconcebible.
Y ahora vemos la locomotora que Ilega a Flagstone.
Hay muchos detalles sobre la gente que viene al oeste salvaje
gracias a la nueva tecnología del ferrocarril.
Otro tema de Morricone Ilamado Bad Orchestra,
que suena a canción de bar, se oye cuando Ilega el tren.
La cámara nos muestra la vida social de la gente del Oeste.
Se ve cómo meten el ganado en corrales.
Alguna gente viene a visitar a familiares.
Un soldado del ejército de EEUU.
Y aquí está Claudia Cardinale, que interpreta a Jill McBain.
En el guión original, la cámara estaba bajo las escaleras del vagón
y Jill McBain, que no Ilevaba bragas, debía pasar por encima.
Decidieron, tal vez con acierto, no incluir eso.
Se baja del tren.
Hay mucha actividad.
Montones de botellas, cestos, barriles y utensilios agrícolas
a Io largo del andén.
Jill es una mujer de ciudad. Viene de Nueva Orleáns.
El sombrero, el encaje, el chal. Es una mujer con estilo
procedente de una cultura muy distinta a ésta.
Nativos americanos que salen del tren, una excavación.
Los planos de nativos americanos escasean en los westerns italianos.
Normalmente se centran en pistoleros urbanos,
buenos y malos y personajes de tipo Billy el Niño.
Este reflejo de la sociedad es poco corriente.
Es un western épico en el que hay gente Ilegando a la frontera.
Algunos están acostumbrados a esta nueva tecnología y otros no.
Pero no hay nadie esperándola.
En la primera escena tres indeseables esperaban un tren
y ahora, que debería haber alguien esperando el tren, no hay nadie.
Ni siquiera es un andén. Es en el propio suelo del desierto,
donde las cosas están tiradas
antes de ser repartidas por las granjas y propiedades de Arizona.
Y ahora una famosa toma de Leone.
Probablemente la más extravagante de su carrera hasta ese momento.
Una toma en movimiento de la vía del tren.
Seguimos a Cardinale, que camina por el andén.
Entra a hablar con el jefe de estación.
La ventana tiene formato panorámico, a juego con la imagen panorámica.
Un marco dentro de otro. Es la misma toma, no hay corte.
Lo único que oímos de Io que le dice al jefe de estación es:
"¿ Cómo puedo Ilegar a Sweetwater?"
La vía se termina, la cámara empieza a subir,
la música va in crescendo y el plano desde arriba
dura exactamente Io mismo que el crescendo de Morricone.
Y la voz de la soprano Edda Del'Orso se eleva en un agudo
mientras, por encima del tejado, vemos cómo se construye Flagstone.
No es una ciudad del Oeste terminada,
es una ciudad en vías de construcción.
Hay un bus, un detalle inusual.
Un ómnibus tirado por caballos, símbolo de la ciudad del futuro,
y la calesa de Sam, interpretado por el italiano Paolo Stoppa,
un habitual del cine de Visconti y conocido actor de teatro,
sentado junto a Jill McBain en la calesa.
Se van de la ciudad floreciente,
basada originalmente en fotos de Abilene, Kansas.
Una mezcla de construcciones de ladrillo y madera, y tiendas.
Una ciudad que puede durar o volverse una ciudad fantasma.
Carlo Simi se basó en fotos de archivo de Abilene.
Además de una calle principal, hay calles laterales
y una conexión entre la ciudad y el desierto.
Construirla costó 250.000 dólares,
más que el presupuesto de Por un puñado de dólares de Leone.
Pero solo hay planos de calles individuales.
La única panorámica de Flagstone es la toma de la estación.
Ese enorme decorado se construyó para ese momento.
Para pasar del tren al andén y de ahí a la ciudad del Oeste.
Ése fue el momento para el que se hizo la inversión.
La calesa se aleja de la ciudad y se adentra en el desierto español,
pero hay un corte y ya no estamos en el desierto español,
estamos en la frontera entre Arizona y Utah,
porque Leone quería rodar a toda costa en Monument Valley,
donde John Ford hizo tantas películas
entre La diligencia y El gran combate,
con esas rocas majestuosas sobre la tierra roja,
escenario de grandes películas de Ford a partir de La diligencia.
Leone quería su momento aquí.
Tuvo suficiente con que Monument Valley
se reconociese en un par de escenas cortas.
Leone rodó en Monument Valley cuando acabó de rodar en España.
La primera escena de la estación fue la úItima que se rodó en España
y después el equipo se trasladó a Monument Valley.
Carlo Simi recuerda que Leone corría de un lado a otro,
y sabía dónde Ford había puesto la cámara en todas sus películas.
"Aquí hicieron Centauros del desierto, ahí La diligencia".
Conocía cada palmo de Monument Valley por las películas.
Están interrumpiendo las obras.
Una de las tensiones de la película se da entre el viejo Oeste,
representado por Sam, su caballo Lafayette y su calesa,
y el nuevo mundo del Oeste, con el avance de la tecnología
y la construcción del ferrocarril en Monument Valley.
Éste es el segundo gran plano de Monument Valley
y sube el volumen de la música de Jill, este tema orquestal,
uno de los temas recurrentes de la banda sonora.
Like a Judgement es el tema de Henry Fonda.
Éste es el de Jill
y acompaña a otra imagen maravillosa de Monument Valley.
Esto recuerda al cine de John Ford.
Les costó muchísimo
igualar las escenas de España con las de Monument Valley.
Importaron tierra de Monument Valley
para las escenas de España, porque en Monument Valley es muy roja,
y en España es muy amarilla y aceitunada.
Y aquí está esta posada construida en Monument Valley,
todo un negocio, parte caballeriza, parte herrería,
parte bar, parte baño público, una locura de establecimiento,
una referencia al cine de Anthony Mann, sobre todo a Winchester 73,
donde James Stewart Ilega a un establecimiento,
aunque no se parece nada a éste, en medio del desierto.
Una alusión más a un western clásico de Hollywood.
Eliminaron una escena en el estreno americano
de Hasta que llegó su hora, en 1968,
en la que salía Lionel Stander, el tabernero,
y aquí está Paolo Stoppa, Sam, bebiendo.
Lionel Stander pasó a la lista negra de Hollywood en los 50
y se convirtió en un actor expatriado en Europa.
Y, curiosamente, los diáIogos de esta película los tradujo al inglés
Mickey Knox, otro actor de la lista negra, que conocía a Stander.
Esto resultó ser una reunión de americanos expatriados
en Roma y en España.
Esto es una caballeriza y un bar clandestino,
y alguien como Jill McBain es toda una sorpresa
en este establecimiento en medio de la nada.
Lionel Stander, cigarro en boca, se la come con los ojos.
Quizás sea ofensivo según los cánones actuales,
pero se trata de dejar claro que ahí eso no pasa todos los días.
No es normal que alguien con esa ropa
entre en un local de mala muerte en medio de Arizona.
Es un ejemplo del tipo de humor habitual en el cine de Leone.
Tras una escena dramática en la que Jill está desolada
porque Brett McBain no ha ido a esperarla a la estación,
después del largo viaje desde Nueva Orleáns
y de haber cruzado el desierto hasta Ilegar a su destino.
Y entonces hay una especie de comedia de Shakespeare
para quitarle hierro a la situación.
Un gran momento de suspense.
Fuera se oyen disparos, ruidos, caballos. No sabemos qué es.
Solo vemos las reacciones de la gente, coreografiadas.
Algo pasa en el exterior,
pero es un momento basado únicamente en sonidos
para la primera aparición de Jason Robards,
como Cheyenne, el bandido romántico.
Y de fondo unas notas de su tema musical.
Mientras que Bronson aparece detrás de cortinas,
con un aire sobrenatural,
Robards no deja de abrir y cerrar puertas haciendo ruido.
Abre la puerta de un empujón. Y es un forajido.
Ya conocemos al úItimo personaje principal.
Bronson en la estación al principio,
Fonda en la matanza de Sweetwater,
Jill en la estación de Flagstone
y ahora Jason Robards en este local en el desierto.
Tenemos cuatro protagonistas, cada uno con su tema musical
y su propia manera de entrar.
Y sus destinos están a punto de cruzarse.
Aquí hay un momento cómico. Entra. No le hemos visto las manos.
Entra en el bar a beber. Quiere una jarra.
Y cuando levanta las manos, ya sabemos
cuáI es la razón por la que está huyendo.
Lleva esposas.
Leone adora este tipo de suspense. Lo Ilama diáIogo indirecto.
Consiste en no decir las cosas de manera obvia.
En dejar que la audiencia suponga y después soltar el golpe.
Es un modo muy cinematográfico de contar historias,
un poco retorcido. Le encanta jugar,
le encanta el diáIogo indirecto, Io que éI Ilama cinema cinema,
las alusiones a otras películas
y una puesta en escena un tanto surrealista.
Casi nunca presenta los hechos de manera directa.
Quiere hacer pensar a la audiencia.
Y ésta es la segunda aparición de Harmonica.
La primera fue en la estación y aquí está de nuevo,
sentado en un rincón oscuro, lamiéndose las heridas.
Charles Bronson tocando la armónica.
Un momento estupendo en que lanzan la lámpara del techo
a Io largo de la habitación,
y se balancea e ilumina a Bronson al tiempo que la música sube.
Pero éI no dice nada. Solo toca la armónica,
Io que recuerda al muchacho indio
de Yuma, el western de Sam Fuller,
que es mudo y no dice nada. Solo toca la armónica.
Igual que Johnny y su guitarra en Johnny Guitar.
Así es como se comunica, con este triste lamento.
Pero tiene la pistola a mano. Es un tipo prudente.
Hay un juego entre ellos. La armónica, las pistolas,
la música que sube y esas miradas constantes.
Alguien dijo que esta película es una ópera en la que las arias
se ejecutan con la mirada. Y este momento es el ejemplo perfecto.
Es muy operístico.
Lo único que tenemos son los ojos de estas personas
que se están observando.
Pero Bronson quiere que su pistola apunte en la dirección correcta.
Tiene una pequeña cicatriz bajo el ojo derecho
y podemos preguntarnos cómo se la ha hecho.
Durante el rodaje se eliminó una escena de la película,
porque su estructura elíptica la estaba haciendo lenta
y Leone se dio cuenta de que duraba tres horas y media.
Era una escena en la que a Bronson le daban una paliza
los hombres del sheriff al Ilegar a la estación,
y tiene la cicatriz en esta escena y en la siguiente, en Sweetwater.
Se conservan tomas de esta escena
con Keenan Wynn de sheriff, que aparece más adelante.
Pero Leone la quitó y repartió su contenido
en momentos posteriores de la película. Un corte sobre la marcha.
Quería un ritmo lento, de ballet, para esta película.
Un ritmo mucho menos frenético que el de sus westerns anteriores,
pero descubrió que si mantenía ese ritmo demasiado tiempo,
el resultado sería una película muy larga.
Un ritmo heredado de los maestros japoneses Kurosawa y Ozu
más que de Hollywood.
Decía que hablaban muy rápido, que los cortes eran muy rápidos,
que no se veían las caras y todo pasaba muy deprisa.
¿ Por qué no hacerlo más lento y distendido?
¿ Por qué no hacerlo mucho más retórico?
Éste es un ejemplo de la retórica de Leone, al estilo Tarantino,
hay unos tipos que se apuntan con sus pistolas,
como en El bueno, el feo y el malo. ¿ Qué pasará?
¿ Quién matará a quién? ¿ Quién disparará primero?
Se parece a los úItimos momentos de Reservoir Dogs y Pulp Fiction.
Robards quería que alguien le disparase a sus esposas.
Toda la estructura de la secuencia tenía este simple propósito,
que podría haberse resuelto en unos segundos.
Pero Leone no quería hacerlo así.
Y volvemos al tabernero
como si no hubiera pasado nada.
Pero los hombres de Cheyenne entran y con ellos un polvo rojo
como el de Monument Valley.
Pero esto es un decorado de Cinecittà en Roma.
Estos hombres Ilevan guardapolvos,
igual que los hombres de Frank, interpretado por Fonda,
y Jack Elam también. Todos Ilevan guardapolvos.
Es confuso, pero forma parte de la trama.
Una entrada clásica de Bronson desde el ángulo izquierdo,
como si estuviera ahí esperando.
Y este diáIogo "¿ Solo tocas o también disparas?
Tocas la armónica, pero ¿sabes disparar?"
Es muy parecido al de Johnny Guitar, de Nicholas Ray,
una referencia clave en la creación de Hasta que llegó su hora.
Bernardo Bertolucci escribió una famosa crítica de Johnny Guitar
y el tema de la mujer en el desierto, el bar,
el agua, el ferrocarril a punto de Ilegar,
varios hombres implicados en su vida,
incluso el hombre de la guitarra, son clave para esta película.
Y el diáIogo "¿ Sabes disparar? ¿ Sabes tocar?"
Es como el diáIogo entre Sterling Hayden y el chico que baila
en Johnny Guitar.
A la izquierda está Aldo Sambrell, un actor español
que trabajó en muchos westerns italianos haciendo de villano
y a menudo sus frases se doblaron al inglés.
Era bastante famoso en los círculos españoles
y su nombre aparecía al principio de los créditos,
pero en América no Io habrían reconocido sino como una cara,
el segundo villano por la izquierda en un western italiano.
El sonido del revóIver. Cada revóIver tiene una música.
Igual que en El bueno, el feo y el malo,
cuando Eli Wallach coge un revóIver Colt y Io hace sonar.
Se Io pega a la oreja. Cada revóIver tiene una música.
Otro efecto sonoro. De nuevo la armónica.
Desafina.
Es un momento muy operístico.
Una armónica que desafina, ¿qué más da?
Pero en la estructura de este ballet retórico y tenso,
un momento como ése está Ileno de significado.
Es muy teatral y artificial.
De repente, Stander empieza a hablar como si no pasara nada.
Prosigue con su cháchara sobre gente que ha conocido aquí
y sobre Io maravillosa que es Jill, y le pregunta si quiere bañarse.
El Dr. Sheldon Hall es autor, profesor e historiador de cine.
Con éI nos vamos a Sweetwater y al terrible descubrimiento de Jill.
La Ilegada de Jill a Sweetwater es la primera y única escena
que comparte con los McBain.
Lo único que sabemos de su relación con Brett McBain
es Io que se filtra a través de los diáIogos y de esta escena,
en la que los planos de Cardinale soportan casi todo el peso
de la relación sentimental con su marido muerto.
Igual que en otros momentos,
el efecto se consigue con una serie de planos faciales
en los que la reacción física nos dice Io que necesitamos saber
sobre Io que el personaje piensa y siente,
nos da datos sobre la relación que tenían.
Esto es un ejemplo de cómo Leone domina el formato panorámico.
Una imagen en techniscope en toda su amplitud.
Fritz Lang dijo en Le Mépris, de Jean-Luc Godard,
que el cinemascope solo sirve para serpientes y funerales.
Esta escena prueba que no es así.
Sirve también para otras cosas, tal y como nos muestra aquí Leone.
Los cuerpos yacen sobre los manteles de cuadros,
que son uno de los muchos símbolos visuales de la película.
Más adelante, Jill los pondrá sobre las mesas, donde deben estar.
Aquí sirven de mortaja funeraria para su familia.
El mantel de cuadros representa la vida doméstica.
Es un símbolo de la América de los pioneros,
que aquí aparece profanado.
A Leone le gusta convertir tomas de perfil en planos de frente
con la ayuda de un movimiento de la cámara que rodea al actor
hasta tomarlo de frente.
Recordemos la primera aparición de Henry Fonda en la película.
Y ahora el funeral de verdad.
El ataúd está hecho
de la misma madera rústica que la cabaña,
la típica construcción de pueblo de pioneros del Oeste.
Un entierro muy tosco.
El funeral es uno de los rituales más comunes en los westerns.
Las escenas líricas de funerales del cine de Ford son muy famosas.
Esta escena recuerda a Centauros del desierto
por cómo se interrumpe antes de que termine el funeral.
El personaje de John Wayne, Ethan Edwards,
se va durante la ceremonia,
abriéndose paso entre el gentío que rodea la tumba.
Y aquí es Claudia Cardinale la que se retira del entierro
para recibir información sobre el asesino de su familia,
que sabemos que es falsa,
porque ya hemos visto cómo han muerto los McBain.
El entierro se olvida
y la gente se va en busca de la banda de forajidos.
Leone usa aquí la amplitud del formato techniscope
para obtener un plano simultáneo de Cardinale y Paolo Stoppa.
Son dos primeros planos en uno
y la facilidad con la que el formato scope permite hacer esto
está aprovechada a la perfección.
Jill rebusca entre Io que queda de las pertenencias de su marido.
Encuentra varios regalos que iban a ser para ella,
su ramo de novia, objetos de joyería, ropa.
Está buscando el dinero que cree que ha dejado su marido.
Más tarde, descubriremos que se ha gastado en madera
para construir la estación de Sweetwater.
Típica de Leone, esta manera indirecta de darnos información
para hacernos Ilegar a nuestras propias conclusiones.
A partir de la evidencia, tenemos que deducir
qué es Io que está pasando.
Éste es uno de los varios planos en la película
de Claudia Cardinale mirándose al espejo.
Más tarde hay otro ejemplo más sostenido.
No es un gesto de vanidad, sino de autoanálisis.
Puede parecer una escena de cama con el marido ausente,
que tiene su eco en una posterior escena de cama
con el Frank de Henry Fonda.
De nuevo, el peso de la relación con McBain
reflejado a través de la expresión de la viuda.
Este plano es un anticipo de otro posterior en la carrera de Leone,
al final de Érase una vez en América,
la úItima toma que hizo,
de un plácido Robert De Niro bajo el efecto de las drogas.
Wobbles, el dueño de la lavandería local,
es uno de esos personajes de western
condenado a que le humillen, le torturen, le peguen.
Su función es la de no durar demasiado.
Solo sirve para hacer circular información entre los personajes
y más tarde ser asesinado por Frank.
Con un apropiado toque gótico,
la maquinaria, el equipo de su lavandería,
se usa como instrumento de tortura.
Esto retoma el asunto del agua,
que es un Leitmotiv en la película de varias maneras.
Las largas palizas son un elemento característico del cine de Leone,
sobre todo las que sufre Clint Eastwood en su trilogía de los 60.
Puede que sea algo típicamente italiano.
La brutalidad sostenida era una característica nueva
en los westerns americanos y yo creo que en parte se debió,
a finales de los 60 y en los 70,
a la influencia del western italiano.
Los ejemplos de violencia más barrocos y excesivos
del cine de Leone se convirtieron en algo común,
casi un cliché, en los westerns americanos de los 70.
Y hay motivos para afirmar que Leone creó la figura de Bronson
como el vengador imperturbable, el justiciero de hielo,
que no tiene nada en contra de los métodos contundentes.
Y eso es algo que queda claro en sus thrillers de 1970.
Cuando Jill descubre las maquetas de la estación
que Brett McBain pensaba construir,
hay otra alusión a Johnny Guitar.
Joan Crawford, en una escena del principio de esa película,
aparece con un representante de la línea de ferrocarril,
cuya estación va a construir ella en el pueblo del que es dueña.
Se convertirá en una figura poderosa en su propia comunidad
al construir una estación dentro de su propiedad.
Y en la escena donde se establece este punto,
vemos en el escritorio, delante de Crawford, la maqueta de un tren.
Ésta y otras muchas escenas de la película de Nicholas Ray
inspiraron el cine de Leone.
Esta imagen de las dos fotos encima de la coqueta,
no solo nos recuerda al marido ausente,
sino también a la familia McBain original,
con la madre en el retrato de grupo,
cuya función iba a pasar a Jill.
Esta parte es otra alusión a Centauros del desierto.
En una escena de la película de John Ford,
una familia de pioneros en el Oeste oye ruidos siniestros afuera,
ven señales de presencia india,
nativos americanos, como decimos ahora,
y se preparan para atrincherarse y enfrentarse al asedio.
Harmonica cumple aquí la función de los indios.
Y más tarde, descubrimos que éI es también un nativo americano.
Pero mucho menos amenazante que los de la película de Ford.
Parece que Jill se dispone a dejar la casa.
Quizás intuya que éste no es sitio para ella.
Y de nuevo, el espejo para insistir en cómo contempla
su propia imagen, su futuro...
...y su situación, que no parece tener salida.
Dan ganas de recrearse en este estupendo primer plano
de la cara de Claudia Cardinale.
No duden en congelar la imagen en este momento.
Y ahora conocemos, o más bien, Jill conoce a Cheyenne.
La cámara se mueve en círculo, algo que le encanta a Leone,
para Ilevarnos a un nuevo elemento en la escena.
Jill cree que Cheyenne es el asesino de su familia.
Nosotros sabemos que no.
El tema recurrente en las escenas entre Cheyenne y Jill es el café.
Una variante del tema del agua.
Está relacionado con el recuerdo de la madre de Cheyenne,
como sabremos más tarde.
La recuerda como una buena puta y una buena madre,
y Jill es ambas cosas, o las representa.
Ha dejado atrás su vida de prostituta
para ser, pensaba ella, una madre en la familia McBain.
Más tarde, vemos que en realidad será una madre simbólica
para los pioneros que vienen a levantar Sweetwater.
La carrera de Robards no está especialmente ligada al western.
Solo había hecho dos papeles importantes en westerns.
Había trabajado en 1966 en El destino también juega,
cuyo papel principal interpretó Fonda, el villano de esta película.
Y en 1967, hizo de Doc Holliday
para John Sturges en La hora de las pistolas,
una mezcla de repaso y continuación
de Duelo de titanes, también de Sturges.
Dos años más tarde,
trabajaría para Sam Peckinpah en La balada de Cable Hogue,
que es todo un documental sobre el Oeste de los pioneros.
El capitalista a pequeña escala que construye éI mismo
una estación en el desierto para suministrar agua a los viajeros,
a las diligencias y a los jinetes.
Que crea su pequeño imperio bajo el sol.
Lo que nos recuerda la importancia del agua en esta película.
Mucha comida en el cine de Leone.
Sobre todo, estofados en cazuelas de barro como ésta.
A John Milius se le ha Ilamado afectuosamente
el general George Patton de Hollywood
por su cine masculino, con acción y en cierto modo de derechas.
Cuando era ya un prolífico escritor, se estrenó como director
en 1973 con una película sobre la vida de John Dillinger.
Sus obras como director
incluyen El viento y el león y Conan, el bárbaro.
John Milius nos habla aquí de su amistad con Sergio Leone.
Tuve la suerte de conocer muy bien a Sergio Leone,
porque se pasó años intentando
convencerme de que escribiera una de sus películas.
Y eso supuso un gran honor para mí,
pero quería que escribiese Érase una vez en América,
basada en un libro titulado The Hoods,
y me hablaba de este libro constantemente,
pero nunca me Io dejaba, porque no Io tenía.
Venía muy a menudo y decía: "¿ Cuándo puedes escribir esto?"
Y yo le decía:
"En cuanto termine Io que estoy haciendo.
Puedo escribirlo dentro de dos o tres meses".
Y éI decía: "Ya te avisaré".
Y por supuesto, nunca tenía el libro.
Y esto se repetía cada año, durante cuatro o cinco años.
Y por fin consiguió el libro, no recuerdo cuándo,
Pero, para entonces,
yo ya estaba dirigiendo y no pude hacerlo.
Estaba dirigiendo El viento y el león, creo,
y no tenía tiempo, así que Io escribió otro.
Fue una pena. Lo hubiera disfrutado.
Aunque me hubiera gustado más escribirle un western.
Fui a visitarlo cuando yo estaba haciendo Conan.
Me Ilevó a un restaurante, me invitó a almorzar
e insistió en que comiésemos
cinco o seis clases de pasta que conocía.
Y tuvimos que ir a dos restaurantes para probarlas todas.
Sabía comer bien. Disfrutaba de la comida.
Disfrutaba de cierto tipo de placeres físicos.
Tenía sus vicios, disfrutaba de la comida.
Le gustaban ese tipo de cosas.
Es una lástima. Falleció demasiado pronto.
Pero dejó un legado maravilloso.
Recuerdo una discusión que tuve con una crítica en Nueva York.
Una mujer que se creía muy especial
y muy moderna, y estaba menospreciando a Sergio.
No pensaba que Sergio Leone fuese importante.
Y yo le dije: "Mira, cuando tú seas vieja,
el nombre Sergio Leone estará en boca de las jovencitas".
Volvemos al Dr. Sheldon Hall.
Este cuadro, que representa el Océano Pacífico,
el destino final del ferrocarril de Morton,
es su conexión con el tema del agua,
presente a Io largo de toda la película.
A través de la ventana vemos un carro cubierto,
conocido también como goleta de la pradera...
...y que puede ser una alusión al tema del agua.
Ésta es una de las ideas más barrocas de la película.
La figure de Morton, cuyo nombre nos recuerda a la muerte,
deriva tal vez de dos personajes de westerns anteriores.
En Duelo al sol, de 1946, de King Vidor,
Lionel Barrymore interpreta al patriarca de un rancho
confinado a una silla de ruedas tras un accidente.
Y en Hombres violentos de 1955, dirigida por Rudolph Maté,
Edward G. Robinson interpreta a un ranchero que usa muletas.
En los tres casos hay un contraste
entre la fragilidad física de estos hombres
y el poder que ostentan, al menos supuestamente.
A Io largo de esta escena hay un gran contraste
entre el poder que denota el lenguaje corporal de Fonda,
la autoridad con la que se mueve por el vagón,
el puro, la posición de mando que toma
en la propia silla de Morton detrás de su escritorio,
Io cual señala sus aspiraciones de usurpar el puesto de Morton.
Representa la autoridad con carisma...
...en oposición a la autoridad austera de Morton.
Y la discapacidad de Morton no es, como pueden pensar algunos,
solo una discapacidad. Es una metáfora.
Una imagen de su corrupción interior, de su debilidad.
Todo su poder reside en su posición social,
en su dinero y en sus negocios.
ÉI, como ser humano, está podrido de pies a cabeza.
Tiene ese aparato para mantener la espalda derecha
y ese entramado de raíles
para moverse con más facilidad por su propio vagón.
Todo el tren es una especie de silla de ruedas especial para éI.
Morton puede recordarnos
a un personaje de ese tipo de fantasía
de las películas de James Bond.
No es tan diferente de Ernst Stavro Blofeld
u otros villanos desfigurados o discapacitados de la serie Bond.
Además, Gabriele Ferzetti, cuyos trabajos más memorables
fueron en películas europeas como La aventura de Antonioni,
fue figura clave en 007 al servicio secreto de su majestad británica,
una película de Bond estrenada inmediatamente después de ésta.
Interpretó al suegro de Bond,
el jefe de una organización mafiosa.
Aquí vemos de nuevo el mantel de cuadros,
asociado con la mujer pionera.
En esta escena,
las aspiraciones maternales de Jill son muy evidentes...
...y Cheyenne es un personaje un poco infantil.
Es el único que habla de su pasado con afecto.
Al parecer, la primera idea para el personaje de Cheyenne
era la de un bandido mejicano.
Hay versiones de la película, del guión,
que sugieren que el apellido de Cheyenne es Ramirez
o un apellido mejicano similar.
Y ciertas partes de su diáIogo hacen pensar
que debería hablar con acento mejicano.
Jason Robards, acertadamente,
decidió declinar esta oportunidad de probar con un acento extranjero.
Tal vez fue idea de Leone o del propio Robards.
Pero este personaje es el equivalente
del Tuco de Eli Wallach, el bandido de El bueno, el feo y el malo,
y también del Juan de Rod Steiger,
en el siguiente western de Leone, ¡Agáchate, maldito!
Todos son personajes infantiles,
caracterizados por una cierta inocencia,
a pesar de que son criminales desesperados.
No parecen estar corruptos por la maldad
que caracteriza a personajes monstruosos como Frank
o al asesino de Lee Van Cleef en El bueno, el feo y el malo.
Jill oye una vez más...
...el sonido de la armónica, que parece Ilamarla
para que se quede en Sweetwater.
El principio de esta secuencia hace pensar
que Jill puede ser víctima de un intento de violación.
Puede que se le ocurra o que se nos ocurra a nosotros
la primera vez que ve a Cheyenne en la escena anterior a ésta
o en la primera parte de esta escena.
Aún no sabemos qué intenciones tiene Harmonica
ni qué motivos Io mueven.
Por Io que sabemos, podría ser un villano
tan descorazonado como Frank.
Le arranca el encaje a Jill, Io que sugiere una posible violación,
que, por supuesto, no se ve.
Una de las características más destacables de Jill,
y que no es propia de las mujeres de los westerns americanos,
es que se le permite ser puta y madre a la vez.
Se le permite tener un pasado turbio,
se le permite tener una presencia muy sexual.
No es algo habitual en las mujeres de los westerns.
La puta y la madre suelen ser personajes opuestos,
la sexualidad y la maternidad son papeles separados.
Jill consigue fundir los dos papeles.
Y una vez más, por supuesto, el tema del agua.
A Harmonica le gusta el agua fresca.
Esta escena es, sin duda, paralela
a la escena anterior de la matanza de la familia McBain.
Un resultado muy diferente, con la presencia de Harmonica.
A Leone le encanta
ese tipo de diáIogo enigmático. Frases para el recuerdo.
Junto a Sergio Leone y Dario Argento,
Bertolucci trabajó en la adaptación del guión
de Hasta que llegó su hora.
El último emperador, de 1987, ganó un Oscar a la mejor película
y le valió un Oscar a Bertolucci como mejor director.
Aquí nos habla de su amor por el western.
Mi padre era crítico en un periódico
Ilamado La Gazzetta di Parma, La Gaceta de Parma.
Vivíamos en el campo
y a menudo me Ilevaba a la ciudad
a ver la película de la que iba a hacer una crítica.
Esto era después de la Segunda Guerra Mundial.
Estábamos en 1949, 50, 51.
Yo vivía de westerns,
en el sentido de que volvía a casa después de ver las películas
y había un montón de niños
que venían a jugar a nuestra casa.
Y recuerdo que empezaba a contarles
la historia del western que acababa de ver.
Por supuesto, reservaba para mí el papel de John Wayne.
Estaba seguro de que me parecía a John Wayne,
estaba seguro de que caminaba como John Wayne
y sonreía como John Wayne. Era una identificación total.
En aquel momento,
John Ford aún hacía sus películas en blanco y negro,
y Ilegó Centauros del desierto.
Yo era muy joven. Tenía entre ocho y doce años.
Y pensaba, cuando vi La diligencia,
que en Italia tiene un título precioso, Ombre Rosse,
que yo ahora traduzco al inglés como Red Shadows...
...por los indios.
Recuerdo haber pensado que era muy épica,
una epopeya de verdad,
como cuando estaba en la escuela y leí La odisea.
Y nunca volví a encontrar
una epopeya tan extraordinaria
e intensa como La diligencia.
Por supuesto, jugábamos mucho
siguiendo los westerns que yo veía.
Y entonces Ilegó Sergio.
John Carpenter Ileva desde 1974 Ilenando salas de cine.
Entre sus trabajos están la imitada La noche de Halloween,
La niebla, 1997: Rescate en Nueva York y Starman.
John Carpenter nos da su visión del rescate de Harmonica.
Aquí está Charles Bronson encima del tren.
Entonces, hay un corte y baja por el otro lado.
Tanto el paisaje como éI están enfocados. El sol es abrasador.
Lo están iluminando con focos y paneles luminosos.
Y hacen Io mismo con Fonda.
Está iluminado como un árbol de Navidad.
La luz los está abrasando.
Tanto la luz de los focos como la del desierto.
Aquí hay un breve flash-back.
Me parece el diablo mismo caminando por el desierto.
Su imagen se define más tarde,
cuando Fonda está a punto de matar al hermano de Bronson.
Y la música de la armónica ruge.
Esos ojos. Mira Io azules que son.
Fonda está impresionante, porque se le ve muy joven.
Ahora estamos dentro del tren. Y esto...
Al menos esta parte se rodó en exteriores.
Ahí se ve el exterior. Eso es muy difícil de iluminar.
Aquí se ve como medio oscuro,
porque entra muchísima luz del exterior.
La cámara se mueve muy despacio hasta Ilegar a Fonda.
No hay prisa por nada. Todo es formal y sereno.
Otra vez esos primeros planos de las personas en escena.
El jefe ha vuelto.
Les dice cuatro cosas mientras camina hacia ellos.
Hace estupendamente de malo.
Sé que apareció en el decorado con bigote y barba,
o a Io mejor era solo bigote.
Leone hizo que se Io afeitara. Este pobre tipo sale volando.
Ahora creo que dice algo de los tirantes y el cinto.
No se puede confiar en un hombre con tirantes o algo por el estilo.
Hace mucho que no veo esto.
Y vemos quién está bajo el tren. Es gracioso...
Ahí está.
Totalmente increíble que le vuele los dos tirantes,
pero es un western de Leone.
Y después el cinturón. Ahí está.
A mí me parece España.
Bronson tiene una interesante actitud pasiva en esta escena.
Se mantiene pasivo y frío durante gran parte de la película,
pero está claro que está esperando su oportunidad.
El modo en que dice sus frases hace pensar que tiene
una especie de sabiduría mística sobre todo Io que está pasando.
Nunca parece asustado. Supongo que no Io está.
Es uno de esos tipos duros.
No demuestra miedo.
Mira ese plano de Fonda, es alucinante.
Muy bueno. La cámara en plena cara.
Este personaje raro, el millonario que no puede moverse,
es como un caracol, como el tren. Deja señales por donde pasa.
Una idea extraña en un western. Interesante.
Quizás por esto la gente cree que es una película política.
Que éI representa el capitalismo, tal vez,
o que representa la profanación, la doma, la destrucción del Oeste.
Yo no estoy seguro, no Io tengo claro.
Fonda se marcha y da la impresión
de que ésta es la oportunidad de Robards para liberar a Bronson.
Una toma en movimiento preciosa. Empieza con los caballos
y se mueve hasta que el tren y los caballos
están a Io lejos y los sigue. Es una toma estupenda.
No recuerdo qué parte de esta secuencia
se rodó en un escenario fijo y qué parte es movimiento real.
No estoy completamente seguro.
Sí, ahora están de nuevo en el escenario fijo.
Hicieron una parte en exteriores
y rodaron el resto, cuando el tren está en movimiento,
en un escenario fijo. Se nota la diferencia en la iluminación.
No es tan brillante en algunos actores.
Ahí está el tipo de invención por la que Leone es famoso,
que es coger un cliché de los westerns y darle la vuelta,
ideando formas de acción distintas.
La manera en que Robards consigue la atención de los malos
y se encarga de ellos es una situación fascinante.
Le dispara y vuelve a subirse al tren.
Es una idea única.
Leone y sus escritores la iniciaron.
Seguro que querían inventar chistes para todas estas escenas
para homenajear o parodiar las escenas de acción de Hollywood.
Muchos primeros planos de actores mirándose unos a otros.
Los disparos eran muy molestos en las películas italianas.
Me fastidiaban los disparos y los cascos de los caballos.
Creo que la broma de la bota está a punto de Ilegar.
Fíjate en cómo todo Io que pasa gira en torno a Bronson.
La acción se traslada allí donde éI mira.
Antes miró a un lado y Robards salió del baño,
ahora mira hacia arriba y ahí es donde va nuestra atención.
En cierto modo, Bronson es nosotros,
en el sentido de que nos indica
adónde debemos mirar por nuestro propio interés.
La cámara se mueve, hay un plano subjetivo desde abajo.
El pobre tipo sigue los pasos y la cámara va detrás de éI.
No cortan rápido esos planos de expresión.
Los mantienen, pero eso es parte de la película.
Ahí está Bronson controlándolo todo.
En cierto modo, le dice a la audiencia Io que pasa.
Nos da la clave sobre qué pensar de todo esto.
Es una manera de incluirlo en su propio rescate.
Ahí van sus ojos. ÉI Io ve primero
y nosotros después.
Y aquí hay una pequeña invención.
Este breve acercamiento a la bota. ¡ Bang!
La verdad es que ese tipo ha tenido un mal día.
Bernardo Bertolucci recuerda la primera vez que vio
Hasta que llegó su hora.
Me impresionó la manera en que la rodó.
Y, en secreto, me alegré mucho...
...de encontrar en la película...
...todas las alusiones
que conseguí introducir sin que Sergio se enterara.
Fue extraordinario, porque yo venía de una...
...nueva ideología francesa, un tanto vaga.
En nuestras películas las alusiones eran prueba de nuestro amor al cine
y del tipo de amor que sentíamos por el cine.
Ahora las cosas empezaban a ser mucho más complicadas.
Y aquí tenemos a este gran director de cine comercial...
...que hace una película estupenda.
Y está rodando alusiones,
es decir, escenas parecidas a escenas de otras películas,
sin darse cuenta de que Io hace,
sin la perversión de los jóvenes directores experimentales como yo.
Pero espero que todo el mundo entienda que la inocencia de Sergio
era la inocencia de los grandes,
no la de alguien que era simplemente inocente.
Era una mente extraordinaria,
pero con una parte infantil.
Yo veía en la película momentos de Centauros del desierto
o momentos de Johnny Guitar sin que Sergio Io supiera.
Cuando se Io dije, Io negó, por supuesto.
Dijo: "Sabía exactamente Io que hacía".
Pero yo tengo mis dudas.
Para mí, éste fue uno de los grandes momentos de los 60.
Alex Cox hizo su primera película,
la sátira de ciencia ficción El recuperador, en 1984.
Alex Cox nos comenta aquí una escena
eliminada del estreno americano.
Esta escena no apareció en la versión corta americana.
Está claro que se rodó en EEUU.
Es un lugar Ilamado Mesa Verde en Colorado, creo.
Hay viejas excavaciones indias en la ladera de una montaña.
Ahí está Gabriele Ferzetti con sus muletas,
Io que podría ser una referencia a Duelo al sol
o a los rancheros inválidos de Hombres violentos.
Pero pasa algo raro con la cronología de esta escena.
A pesar de que estamos viendo la versión oficial de la película,
si es que realmente hay una,
se corta la que está a punto de ser la escena de amor
entre Claudia Cardinale y Henry Fonda,
y nos devuelven a la escena de Frank y su jefe,
donde las cosas están cambiando
y Frank se convierte en el líder de los villanos.
Pero ¿por qué cortan en el rancho McBain,
donde Jill y Frank están juntos,
y pasan a Mesa Verde, donde vemos a Morton y a Frank,
para volver de nuevo al rancho unos minutos más tarde?
¿ Es un flash-back? No puede ser, estropearía
la estructura tripartita del flash-back, que es muy sólida
y que se parece mucho a la estructura del flash-back
de La muerte tenía un precio.
Mesa Verde, eso no Io hicieron en Almería.
Y ahora una escena de día, de nuevo en Almería...
...donde Robards y los suyos intentan averiguar qué pasa.
Pero aquí es de día.
¿ Frank y Jill siguen en la casa?
¿ Qué pasa con la estructura de la película?
No puedo explicarlo, pero parece que en algún momento
todos perdieron la pista de dónde estaban los personajes
o del momento del día.
La verdad es que no importa.
Sir Christopher Frayling.
Esta idea de una ciudad que se está levantando
es una referencia a la película Cimarron de Glenn Ford,
donde un decorado compuesto por una serie de fachadas
constituye el pueblo en construcción.
Y aquí Ilega una alusión explícita a John Ford.
Un irlandés que sueña
con levantar un pueblo en medio de la nada.
Cheyenne cree que va a ganar millones con éI.
Y Bronson contesta: "No puedes vender el sueño de tu vida".
Eso es un resumen de la película.
Leone hizo la película que quería hacer desde niño
y, aunque no fue un éxito de taquilla, fue el sueño de su vida.
Es la alusión más explícita a Ford en una película de Leone.
Cuesta mucho creer que los McBain sean irlandeses,
pero da igual. Es la utópica visión fordiana del Oeste,
que en manos de alguien más cínico sería muy distinta.
Y por fin, se revela la clave de toda la trama.
El agua. El pozo del que Cardinale sacó el agua es la clave,
porque las locomotoras tienen que pasar por aquí
a causa de la geología. Los trenes no funcionan sin agua.
Sweetwater se convertirá en una próspera ciudad ferroviaria
y el Oeste seguirá avanzando y desarrollándose.
Tiene un toque sentimental.
Es la historia de muchos westerns anteriores,
pero ahora es cuando se descubre el secreto.
Hemos estado viendo el agua sin comprender su significado.
Por eso McBain construyó aquí.
Cheyenne opina que Io que importa es el dinero
y no el idealismo irlandés.
"Podrías ganar miles y miles de dólares".
Y Harmonica contesta: "Se dice millones".
Brett McBain sería multimillonario, si estuviera vivo.
Natural de Túnez,
Claudia Cardinale saltó a la fama en 1961 con Senilidad.
Su carrera posterior incluye trabajos
en 8½ de Fellini y El gatopardo de Visconti.
Actuó en inglés en títulos como La pantera rosa, Los profesionales,
El fabuloso mundo del circo y Hasta que llegó su hora.
Aquí recuerda su primer día de rodaje con Henry Fonda.
En fin... ¿ Qué puedo decir?
El primer día me hizo algo terrible.
El primer día que rodamos
empezamos una escena de amor en Cinecittà.
Henry Fonda nunca había hecho una escena de amor.
Y todos los periodistas estaban alrededor mientras rodábamos.
De todas partes. Inglaterra, América, Italia, Francia,
y la esposa de Henry Fonda sentada al lado de la cámara.
Fue terrible.
Y entonces éI me dice: "Tienes que quitarte..."
Y yo digo: "De eso nada".
Y no Io hice. Pero la escena me parece muy sexy.
Es una escena de amor preciosa.
Pero a Henry y a mí nos causó mucha tensión
el estar rodeados
de periodistas viendo cómo la hacíamos.
No solo los técnicos, los periodistas también.
Y esto pasó el primer día de rodaje.
Pero la escena es buena. A Io mejor la tensión ayudó.
Con Fellini, cuando trabajaba con Fellini,
no había guión. Todo era improvisación.
De hecho, durante una escena mía con Mastroianni, éI no estaba allí.
El que se sentaba a mi lado era Fellini.
Improvisábamos todo el tiempo, no había guión.
Pero ésa no era la manera de trabajar de Sergio Leone.
Con Leone había un guión al que atenerse.
Todo era muy preciso.
Con Luchino Visconti era distinto, era como teatro.
Normalmente, los técnicos no estaban allí.
Leíamos el guión alrededor de la mesa, igual que en teatro,
y todo era muy preciso.
No podíamos cometer ni un pequeño error.
Todas las decisiones se tomaban con el director.
Y con Leone era igual.
El corte de los primeros planos, etc., era muy importante.
Pero había otras maneras de rodar que a mí me gustan, desde luego.
Es decir, Federico Fellini era... 8½ es un trabajo magnífico.
Y gracias a Luchino Visconti conseguí triunfar,
porque empecé con éI cuando Ilegué de Túnez.
No hablaba italiano cuando hice Rocco y sus hermanos.
Hice El gatopardo.
Rodé cuatro películas con Luchino Visconti.
Y tuvimos una relación maravillosa.
Me quería mucho y me hacía muchos regalos.
Fue estupendo. Estuvimos muchas veces en Londres.
Estuve en Londres con Visconti para ver a Marlene Dietrich,
su úItimo concierto en Londres.
AquéI fue un día magnífico.
Pero estuvimos juntos en Londres muchas otras veces.
Vimos mucho teatro también.
Sir Christopher Frayling.
Aquí parece que Bronson
está espiando a Fonda y a Cardinale,
pero...
...es una subasta en la que están el sheriff y Claudia,
que está intentando vender la propiedad.
Ahí está el sheriff de Flagstone.
Keenan Wynn
sustituyó en este papel a Robert Ryan.
Uno de los pocos sheriffs no corruptos de Leone.
El sheriff suele estar
del lado de los malos.
Este sheriff es un hombre honesto
e intenta conducir la subasta.
La escena es una alusión a la película de Ford favorita de Leone,
El hombre que mató a Liberty Valance.
En esa película de principios de los 60,
hay una asamblea y varios partidos políticos
compiten por un puesto en Shinbone.
Y hacen todo tipo de trampas,
cosas como manipular los votos,
pero es una escena cómica,
al final las cosas se solucionan
y Shinbone se convierte en una ciudad próspera.
Aquí hay una alusión a las asambleas
de Liberty Valance. De hecho, Leone me dijo una vez que era
"mi favorita de Ford, porque tocamos el mismo tema".
Es la película menos sentimental de Ford.
Trata el tema de la evolución del Oeste.
Cómo afecta al héroe del Oeste
el desarrollo económico.
Aquí hay el mismo mensaje que en Liberty Valance.
Según Leone, las asambleas de Liberty Valance
indican que Ford, a sus casi 65 años,
entendió Io que era el pesimismo.
Recuerda también a El bueno, el feo y el malo
cuando Tuco negocia con el comerciante de armas.
Parece que discuten el precio de una pistola,
pero en realidad está atracando la tienda.
Hay esa ambigüedad.
Y ahora volvemos al tren con Morton,
una versión más
de los negocios con respecto al héroe.
Porque Morton empieza a darse cuenta,
de que Io único más poderoso que una pistola es el dólar.
Y va a probarlo comprando a los hombres de Frank.
Puede que tengan una cierta lealtad hacia Frank,
pero Io importante es que el tren Ilegue al Pacífico.
De ahí este cuadro. De ahí el tema de Morricone.
Ésa es la única obsesión en la vida de Morton.
Debe hacer que los hombres de Frank Io traicionen.
Y usará el todopoderoso dólar.
Los secuaces de Frank están ahí
jugando a las cartas, a la antigua usanza.
Esto es curioso. Morton es muy poderoso,
es el que les da trabajo, pero por un momento Io ignoran.
Siguen jugando.
No parecen prestarle atención.
Y éI vacila.
Dicen: "Completemos la partida. Siéntese".
Creemos que va a jugar
y ellos también Io creen, pero ése no es el plan.
Y de fondo ese ruido
de la locomotora resollando
como una persona jadeante.
Se oye a menudo este resuello,
tan característico de Leone.
Como un asmático en el desierto.
No entienden qué pasa.
No es propio de Morton jugar con ellos a las cartas.
Pero Io dejan unirse a ellos
y ven que, en lugar de repartir cartas...
...está repartiendo dinero.
Varios cientos cada uno.
De nuevo, el resuello de la locomotora crea tensión.
500 dólares para cada uno.
"Solo hay que usar la cabeza". Sed lógicos.
No os pongáis del lado de Frank.
Y volvemos a la otra versión del capitalismo, la subasta.
Debería salir bien.
Hemos oído que Sweetwater vale millones,
pero no es así.
Los hombres de Frank la sabotean,
porque no quieren gastar mucho.
La cantidad que Morton les dio a los del tren.
Se vende por 500 dólares,
igual que los hombres de Frank.
Y en ese momento, Harmonica entra en la puja con 5.000 dólares.
Pero no va a pagar con dinero, va a pagar de otra manera.
Sabemos quién es por la música y las botas.
No necesitamos verle la cara. Es Cheyenne.
¿ Lo ha traído Bronson contra su voluntad?
¿ O es un truco? En El bueno, el feo y el malo,
Eastwood y Eli Wallach se entregan por la recompensa
y luego se rescatan mutuamente.
"No había dólares, pero había cabrones".
Un gran momento de diáIogo humorístico,
traducido por Mickey Knox.
Una gran frase.
¿ Y qué ha pasado en el tren?
Un jinete Ilega con noticias.
Aquí se hace una nueva alusión a un western americano,
El tren de las 3: 10, sobre un preso que Ilevan a la cárcel de Yuma,
la nueva prisión construida en el Oeste para casos serios.
Es una película de Glenn Ford.
Y hace referencia a la nueva cárcel de Yuma.
Cheyenne va camino de Yuma,
igual que en esa película.
Ganado al fondo. Raro, en un western italiano.
Es raro ver vacas. O indios.
Pero aquí vemos ganado al fondo.
Un hombre de Cheyenne.
Un español, Aldo Sambrell,
que sale en muchos westerns italianos.
Le encantó hacer esta película.
Me dijo que todos se divirtieron mucho.
Ahora estamos en el bar, un gran diseño de Carlo Simi.
Es el punto de encuentro social de Flagstone.
Es la construcción más sólida de la ciudad.
Este interior victoriano es muy amplio
y más consistente que las tabernas del Oeste,
que suelen tener un aspecto más efímero.
Y ahora oímos pasos y la música de Frank,
interpretado por Fonda.
Aparece bien peinado y afeitado,
porque había una escena en una barbería,
que iba a estar entre la subasta y esto,
pero se eliminó. Frank tiene un aspecto más cuidado.
La barbería es una alusión a Pasión de los fuertes de John Ford.
John Carpenter.
Esto se rodó en exteriores. Mira el fondo.
Debía de ser incómodo rodar en el decorado con esa luz,
porque el sol estaba abrasando.
Al menos esta toma.
Corta un plano de toda la estancia con esos dos primeros planos.
Y al contrario.
Aquí está todo muy pensado
como en sus primeros westerns.
El actor camina, se para, dice su frase,
sigue andando, la cámara se mueve, gira. Todo va despacio.
Estamos asistiendo al desarrollo de esta historia mítica.
Enfoca a Bronson y el fondo al mismo tiempo.
Es complicado.
La luz cambia. La han aumentado dentro
para igualar. No hizo falta para el otro plano.
La cámara gira, se acerca.
Y volvemos a la escena del flash-back,
del diablo caminando por el desierto.
Más tarde sabremos de qué se trata.
De nuevo, Bronson es el ojo del espectador.
Lo que ve no se corresponde con Io que le dice a Fonda.
Observa Io que pasa.
Y a través de éI se cristalizan nuestras sensaciones.
Está claro que ahí fuera pasa algo que Fonda no sabe.
Bronson es el observador.
Típico de Leone: Plano vacío y un actor Io Ilena,
como ha hecho Fonda.
Es una técnica que Leone usó en los westerns italianos,
en las películas de Eastwood.
Si se usa mucho, es demasiado cómica,
pero es un buen detalle.
Todo muy lento y pensado.
¿ Qué clase de dinero es ése?
Los billetes nunca han sido azules aquí.
Fonda sale y ve Io que Bronson ya ha visto.
Es una trampa... No, ya ha pasado.
¿Ahora Io persiguen a éI?
Bronson es nosotros.
Al estilo de Hitchcock. Dirige nuestra atención con la mirada.
Una de mis escenas favoritas.
Claudia está en la bañera. Ahí está.
Rueda a través del vapor.
Las imágenes de esta escena son casi surrealistas.
No sé por qué la incluyeron, pero es buena.
Distintos ángulos.
El espectador puede estar confuso al principio
y al final de la película.
Pero no importa.
Parece que están siguiendo a Fonda.
Aún no sabemos por qué Bronson Io quiere vivo.
Esto es un poco surrealista. Es muy raro.
Tenemos el reloj vacío que aún no han pintado,
está incompleto.
¿Alusión a la intemporalidad?
Estamos en un Oeste que nunca existió más que en nuestra mente.
No sé qué quería decir. Y puede que éI tampoco.
Hay tensión en la escena, pero todo va muy despacio.
No sabemos por qué ha hecho eso.
¡Vaya! Ha caído uno.
Sir Christopher Frayling.
Bronson tiene un aire sobrenatural,
parece un titiritero que dirige Io que pasa
y reflexiona sobre la diferencia entre ser pistolero y negociante.
Y Frank traicionado por sus hombres,
porque Morton paga mejor.
Muy lograda, la expresión de Fonda.
Y un corte cruzado con Bronson que aparece en la imagen
con su control del tiempo y del espacio.
Fonda no le dispara.
Está esperando el gran momento,
el encuentro frente a frente
en el que se verán las caras, los dos solos.
La parafernalia de la ciudad,
las vallas, las tiendas y un reloj sin pintar,
Una alusión a Solo ante el peligro.
El reloj marca las 12, pero es la sombra del rifle.
Una alusión más a la película de Ford
"El tiempo vuela".
Le hace mirar el reloj.
Se da cuenta a tiempo
y otro hombre muerde el polvo. Eso ha debido de doler.
No dejan de mirarse fijamente.
Fonda intenta deducir las intenciones de Bronson.
¿ Por qué crea estas situaciones
y se limita a observar sin hacer nada?
No Io sabrá hasta que muera al final del duelo.
Pero eso pasa más tarde.
Ella empieza a comprender.
Empieza a entender las reglas de los héroes del Oeste.
Fonda vuelve al tren.
El caballo trota al ritmo de la marcha fúnebre de Morricone.
Son los acordes de Don Giovanni, de Mozart.
El Commendatore, el jinete.
Cabalga hacia el tren
al ritmo de la música de Morricone.
De nuevo con nosotros, Alex Cox.
Parte de esta escena se eliminó y parte no.
El exterior que vemos,
cuando Frank cabalga por el desierto y vuelve al tren,
aparece en la versión larga y en la corta,
pero a medida que se acerca al tren, las versiones cambian.
Esta parte de la escena está en la versión corta.
Nosotros no hemos visto un tiroteo.
Es como Yojimbo. Vemos solo el resultado.
Creo que esto también está en la versión corta.
Lo que no vimos en la versión corta fue un interior.
Por eso falta esta parte.
Los del estudio querían acortar,
porque era una película larguísima.
"¿ Para qué queremos ver esto?"
Pero se trata de reconocerlos,
de ver el cadáver de Aldo Sambrell,
de ver el cadáver de Benito Stefanelli, e identificarlos.
Y, claro está, la muerte de Morton
aparece en la versión corta, aunque dura un poco menos.
Sir Christopher comenta el duelo
entre Harmonica y Frank.
Estamos en Sweetwater.
Una referencia a las escenas de ferrocarril
de El caballo de hierro
y a escenas equivalentes de Union Pacific, La conquista del Oeste
o cualquier epopeya sobre el tren.
Una clásica serie de tomas al estilo de John Ford.
Bronson está esperando
a que vengan a por éI para el clímax.
El primero en Ilegar es Cheyenne,
encorvado y con mal aspecto,
por motivos que descubriremos.
Ha conseguido huir. Ya no va a Yuma.
Ha huido y ha vuelto a Sweetwater a ajustar cuentas.
Jill Ileva ropa más corriente,
más acorde con su función de portadora de agua.
No Ileva prendas finas de Nueva Orleáns, sino ropa de rancho.
Ropa de trabajo.
El cambio de vestuario está basado en El hombre del Oeste,
un western en el que Julie London Ileva ropa similar.
Robards tiene una extraña relación con Cardinale.
La trata como a una posible amante y como a una madre.
"Mi madre hacía un café como éste", dice.
Quiere asentarse, pero no Io admite.
Este tema se trata en El hombre de las pistolas de oro,
de Edward Dmytryk, donde hay alusiones
a esa relación psicosexual
entre el malo y la figura maternal interpretada por Dorothy Malone.
Y Henry Fonda hace de pistolero.
Leone también quiso tocar ese tema.
El hombre de las pistolas de oro no tuvo buenas críticas.
"¿ Qué pasa ahí fuera? Está cortando madera.
Y cuando acabe, sé que va a pasar algo".
Este diáIogo iba a salir antes,
pero se pasó a este punto debido a los cortes del rodaje.
Robards nos mira y nos adelanta las escenas finales.
"Va a pasar algo".
Fonda y Bronson tienen una cuenta pendiente.
El úItimo en Ilegar
y ahora ya tenemos a todos los protagonistas, es Frank.
Y suena su canción, un tema para trompeta,
como una banda de mariachis anunciándolo.
Este tipo de canción es típica de Leone,
la marcha fúnebre que precede a un duelo.
Frank Ilega y Bronson no se mueve.
Espera a que el segundo protagonista se presente.
Mientras, la vía Ilega a Sweetwater,
y la línea que empezó en el Este
y acaba en el Oeste, Ilega a Arizona.
La pistola de Bronson siempre a punto.
En este caso está encima de un tronco. Nunca se sabe.
Ahora hay un diáIogo muy importante
sobre los viejos héroes,
que serán las víctimas de la nueva tecnología.
Una nostalgia profunda por el antiguo Oeste y sus héroes,
por el cine de la niñez de Leone.
Está basado en un fragmento de la novela
El gatopardo, de Lampedusa,
donde el gran príncipe de Sicilia, Don Fabrizio, dice:
"Nosotros éramos leones, chacales, los grandes héroes,
y no tenemos cabida en este mundo
de tecnología y capitalismo. No hay cabida para los héroes".
El mismo diáIogo con otras palabras
tiene lugar ahora.
Se dan cuenta de que Io demás no importa.
Solo importa su cuenta pendiente.
El misterio del flash-back
se tiene que aclarar en la resa dei conti, el ajuste de cuentas.
Vamos a ver un duelo al estilo Leone.
Frank quería convertirse en un hombre de negocios,
igual que su jefe tiene sus momentos de pistolero.
Pero ahora Frank se da cuenta de que no puede ser.
ÉI es pistolero y arregla las cosas disparando.
No merece la pena fingir que encaja en el mundo moderno.
Ésta es una de las partes clave de todo el diáIogo
y es muy larga para una película
basada sobre todo en escenarios visuales
más que en palabras.
Éste es un diáIogo sostenido y tenemos que concentrarnos.
Vuelve a guardar la pistola en la funda
para que Frank no crea,
porque estos tipos son muy susceptibles,
para que no crea que le va a disparar.
Pero no. Tienen que hacerlo de acuerdo con el ritual.
Es como el arco de proscenio de un teatro.
Pasan por debajo del arco
y se abre el telón para el úItimo acto.
Robards, mientras tanto, se está afeitando.
Jill aparece vertiendo el agua, como siempre. Siempre se la asocia
con el pozo, el agua, la bañera, la Ilegada del agua al Oeste.
En 8½ de Fellini también hizo de portadora de agua.
Ella prepara el Oeste para futuras generaciones.
Jill es el futuro. Todos los demás están condenados.
Esta gente tiene algo dentro, algo que ver con la muerte.
Mi biografía de Leone se titula Algo que ver con la muerte.
Creo que esta frase resume toda su carrera.
La muerte del cine, de los personajes.
Pero se van con clase. Es un homenaje
a un cierto tipo de cine que existió una vez,
que fue importante para muchos,
pero ya nadie hace esa clase de películas.
Algo que ver con la muerte.
Y ahora, el duelo final. Suena de nuevo Like a Judgement,
el tema de Henry Fonda.
El duelo se parece al de El último atardecer de Aldrich,
una de las películas favoritas de Bertolucci.
De hecho, hace una alusión a ella en La estrategia de la araña,
cuando en un cine se ve un cartel de El último atardecer.
Es un duelo igual que el de Kirk Douglas y Rock Hudson
en El último atardecer. El mismo tipo de planos.
Bronson, Fonda, otros sombreros, otras fisionomías.
Y ahora, la grúa sube para que se vea a los dos.
Toman posiciones detrás del rancho de Sweetwater
para el ajuste de cuentas final.
Y al fondo, el paisaje español, una textura y color
completamente distintos a los de Monument Valley.
Hay un énfasis casi fetichista en los detalles.
Las botas, la manera de andar, la ropa.
Parece una marcha militar, un baile.
O piezas que se colocan en un tablero de ajedrez.
La representación de un mito.
Vemos cómo Fonda camina alrededor de Bronson
y se coloca buscando la luz adecuada
para que el sol no le dé en los ojos en el duelo final.
Éstos son los mejores planos de Bronson.
Lo vimos en Los siete magníficos y como indio americano,
pero su presencia nunca tuvo tanta fuerza.
Impresionantes primeros planos de su rostro.
Fonda toma posición, se asegura de que el sol no Io ciegue.
Se queda ahí.
Ahora le toca a Bronson.
No hay diáIogo. Solo música.
La película empieza con sonidos naturales amplificados
y termina con una escena puramente musical y gestual.
Ahí están, frente a frente. Y la música para.
Un silencio.
Éste es el momento que estábamos esperando.
La final del Mundial. Los dos equipos de fútbol enfrentados.
Para los cánones de Hollywood, la acción es muy lenta y distendida.
No es tiempo real.
Es tiempo de retórica, ritmo de ópera.
Es un tiempo muy artificial.
La cámara se acerca, porque tras los ojos de Bronson
está el recuerdo de por qué ha estado buscando a Frank.
Enterrado en su subconsciente, mientras sube la música.
Y nosotros pensamos que eso es Io que está pensando Bronson.
Un joven Henry Fonda en Monument Valley camina hacia éI.
Por fin se define la imagen. Por primera vez vemos que es Fonda.
Hasta ahora era una figura desenfocada, pero ahora Io vemos.
Fonda saca una armónica del bolsillo.
La armónica que Bronson toca durante la película.
El secreto de su procedencia está a punto de revelarse.
La acerca a la cámara.
Y de nuevo Bronson, que recuerda ese momento,
porque la está acercando a Bronson cuando era un niño.
Y la cámara se acerca aún más a esos ojos.
Un estupendo primer plano
del caballete de la nariz y los ojos.
Leone nunca había hecho un primer plano tan de cerca.
"Haz feliz a tu querido hermano".
Algo pasa con el hermano de Bronson.
Se la mete en la boca a Bronson,
que se nos revela ahora como un joven indio americano.
Tiene que soplar, con su hermano de pie sobre sus hombros.
Lo que vemos al fondo es Monument Valley.
La cámara retrocede. No solo está sobre sus hombros,
tiene una cuerda al cuello.
El hermano está interpretado por Claudio Mancini.
La cuerda cuelga de una campana en un arco muy romano,
hecho de ladrillo rojo, en Monument Valley.
Un diseño extraordinario de Carlo Simi.
Podría ser mejicano o mediterráneo.
Un arco romano en medio de Monument Valley.
Así va a morir este tipo.
El joven Bronson toca la armónica.
Y por supuesto, cuando se quede sin aliento, cuando se agote,
su hermano va a morir.
Una manera increíblemente sádica de matar a alguien.
Como las sofisticadas torturas maquiavélicas
que hay en El bueno, el feo y el malo.
Una manera renacentista y romana de eliminar al enemigo.
Muchas sonrisas al estilo del cine de Eisenstein.
Grandes rostros en la pantalla. La manzana.
La música sube. Los ojos de Bronson.
¿ Cuánto tiempo aguantará?
"Hijo de perra", dice el hermano, y empuja a Bronson con los pies.
No es que Bronson se derrumbe, su hermano Io empuja
y cae al suelo. La armónica se le cae de la boca.
El polvo.
Y estamos de nuevo en el momento del duelo.
Ésa es la razón por la que Bronson quiere matar a Fonda.
Un plano de la reacción de Cardinale y Robards,
que se ha cortado a causa del disparo
y de la tensión.
Están dentro. No salen a averiguarlo.
Quieren que alguien entre y les diga qué ha pasado.
Pero Fonda no ha caído. Está de espaldas a Bronson.
Intenta enfundar, pero la pistola se le cae.
Se tambalea.
Se ve la herida a través de su camisa oscura.
Está sorprendido. No puede creer que alguien Io haya derrotado.
Intenta concentrarse.
"¿ Quién demonios es este tipo? ¿ Por qué ha querido matarme?
¿ Por qué ha retrasado este momento
para Ilegar a un ajuste de cuentas? ¿ Quién es?"
Bronson camina hasta éI en silencio.
"¿ Quién eres?", dice Fonda.
Quiere saberlo antes de morir. ¿ Qué ha sido todo esto?
Bronson se quita la armónica de alrededor del cuello,
porque ya no le sirve, ya no la necesita,
y la mete en la boca de Fonda,
Io mismo que Fonda le hizo cuando era un niño.
No necesita dar más explicaciones.
Fonda asiente con la cabeza. "Así que eres tú.
Después de tantos años".
Y Fonda da su úItimo suspiro en la armónica.
En ese momento comparten el flash-back.
Los ojos de Fonda nos dicen que éI también recuerda. Asiente.
Comparten el mismo recuerdo en ese momento.
Las imágenes hablan por sí solas. Sobran las palabras.
Y Fonda muerde el polvo.
Cardinale examina al nuevo Jason Robards,
ahora que está limpio y afeitado, y tiene un aspecto más respetable.
Pero no es el hombre para ella.
El hombre para ella es Harmonica, pero ése no va a quedarse.
Aún no saben qué ha pasado. ¿ Quién será el que entre?
Es increíble, pero no han mirado por la ventana.
Que pase Io que tenga que pasar. Que decida el destino.
Y ahora esa frase.
"Esa gente tiene algo dentro. Algo que ver con la muerte".
De nuevo el mantel de cuadros, ese símbolo del hogar.
Ella se va a asentar, va a convertir este sitio en su hogar.
Se ha adaptado a su nueva función.
Maureen también ponía la mesa con manteles de cuadros al principio,
pero aquello terminó en tragedia.
Bronson podría ser su hombre. Ella cree que podría quedarse,
pero si ha ganado el duelo, se va a ir.
Es un hombre que no tiene paz.
Como no saben quién ha ganado, Cheyenne prepara su pistola
por si ha ganado el malo.
Y ésta es otra entrada típica de Bronson. La luz.
El chirriar de la puerta. Jill sonríe. Ha ganado el bueno.
ÉI ve su sonrisa y entra en el plano por la derecha,
por detrás de un trozo de madera.
Y Robards se da cuenta de que no tiene nada que hacer.
Una serie de reacciones complejas de Jill mientras Io mira.
Sonríe feliz y aliviada,
pero la cara de éI le dice que no se va a quedar.
No va a funcionar. ÉI se va a ir.
Es un hombre que aún no ha encontrado descanso.
Y todo esto se expresa sin que ella diga nada.
En fin, va a tener que hacerlo sola.
Va a tener que tomar el legado de Brett McBain
y poner Sweetwater en marcha.
"Algún día..." Gran frase.
Sale en Raíces profundas, sale en muchos westerns.
"¿Te vas a quedar para tener aquí tu hogar?
Algún día volveré". Pero sabemos que no es así.
Se va a ir en su caballo y nunca volverá.
La relación entre estos tres es sutil para el cine de Leone.
Gira en torno a la mujer como personaje principal.
Es su única película donde la acción gira en torno a una mujer.
Todos los personajes se mueven alrededor de ella.
"Sweetwater va a ser una gran ciudad.
Cumple con tu responsabilidad.
Ocúpate de ella. Su destino está en tus manos.
Es tu jardín. El sueño de McBain se ha cumplido,
pero yo no estaré. No me gustan las ciudades,
no me gusta la civilización ni el progreso.
Por eso tengo que marcharme.
Algún día".
Y Robards dice poco convencido: "Yo también tengo que irme".
Quiere quedarse. Tal vez sea el momento de estabilizarse,
pero tiene que irse por muchos motivos.
Uno es que se está muriendo.
Hay una broma sobre las palmadas en el trasero de Jill.
"Aquí no ha pasado nada". La vida es así.
Intenta aceptarlo. No dejes que te afecte mucho.
"Aquí no ha pasado nada".
Toda la película puede resumirse en esa frase.
Es una gran fantasía, un gran ritual, una gran ópera.
Pero está contada a través de esta historia del Oeste.
"Aquí no ha pasado nada".
Ella sale a cumplir con su responsabilidad
como portadora de agua para los trabajadores del ferrocarril.
Y los dos hombres se alejan.
Ésta es la úItima vez que los vemos
en la primera versión que se vio en América.
Pero esta escena, una escena clave, se recuperó
cuando la película se volvió a emitir en los 70. Se alejan.
Van colina arriba y luego bajan por el valle junto a Sweetwater.
La única vez que vemos a Harmonica en un caballo.
Normalmente, entra en imagen como si estuviera de pie esperando,
pero ahora se va cabalgando.
Cheyenne, detrás de éI, se cae del caballo.
Y Bronson se da cuenta de Io que ha pasado.
Lo intuye. Ahora sabemos que a Robards le han disparado.
Morton le disparó cuando se escapó.
Leone dice que todos, excepto Jill, saben que van a morir.
La película es un úItimo suspiro del western como género
y el úItimo suspiro de los héroes del Oeste.
No habrá sitio para ellos en el mundo moderno.
Frank murió con honor en un duelo y supo por qué moría.
Ahora muere Robards.
Asesinado real y simbólicamente por el dueño del ferrocarril.
No hay cabida para personas como Cheyenne en el nuevo mundo.
No es una muerte rápida.
Le han disparado y va a tardar un poco.
Por eso se le ve tan pálido y encorvado
en las úItimas escenas. Y en la primera versión americana,
uno se preguntaba: "¿ Por qué está Robards tan raro?"
No nos explicábamos Por qué estaba tan lánguido y pálido
y actuaba como si fuese a desplomarse.
No sabíamos qué pasaba.
Es una escena clave en el puzle.
La Ilegada del tren es el culmen
de uno de los temas: Io que implica el ferrocarril.
Es un momento de nostalgia,
como el de El gatopardo, tanto en la película como en la novela,
por el mundo perdido.
Por el viejo mundo que se adapta al nuevo o que intenta adaptarse.
Alguna gente se adapta bien.
Jill se adapta bien, pero esta gente no.
Por desgracia, serán las víctimas de la explosión económica.
Es una visión del Oeste muy pesimista,
pero, al mismo tiempo, muy nostáIgica.
Se oye la canción de Cheyenne, un tema para banjo y piano,
compuesto por Morricone,
y cuando se escribió, Leone le dijo a Morricone:
"Piensa en Golfo de La dama y el vagabundo de Disney".
Ese perro truhán, pero adorable. El antihéroe de la historia.
"Piensa en una pieza musical adecuada para Golfo".
Es una melodía alegre, saltarina, muy del Oeste salvaje,
pero está a punto de acabar y después Ilegará el silencio.
Éste es el úItimo aliento de Cheyenne.
Un acorde más y el tema finaliza.
No quería que Harmonica Io viese morir, así que Harmonica se vuelve.
Una visión muy japonesa de la muerte.
Es un momento samurái, más que un momento del Oeste.
El gran guerrero muere, y uno se vuelve y le rinde homenaje.
Harmonica mira al cielo, la cámara sube
y volvemos a ver la vía.
Y Ilega el tren. El tren Ilega a Sweetwater.
Toda la película conduce a este momento.
Necesita agua. Va a ser una parada de la línea más importante.
Tenía que venir a Sweetwater y por fin ha Ilegado.
Vemos a los trabajadores alrededor del tren.
Leone tuvo que alterar el paisaje para esta escena.
Movió parte de una duna, con permiso, para poner la vía
y que el tren hiciera un recorrido circular
y acabase delante de Sweetwater. Las autoridades le dieron permiso.
Ahora es desierto, pero trajeron el tren en un camión
desde Guadix, Io pusieron en la vía con ayuda de una grúa
y la Ilegada del tren a Sweetwater es el clímax.
Érase una vez un tren que Ilegó al Oeste,
y con éI Ilegaron la revolución y el cambio.
Hizo posible una nueva América, pero la vieja América murió.
Los trabajadores saltan del tren. Es el nuevo reemplazo,
que va a continuar construyendo la estación de Sweetwater
y la vía.
No hay sitio para Bronson aquí. Se aleja con el cuerpo de Cheyenne
sobre la silla del caballo que Io sigue.
No Io vemos morir, solo vemos cómo se adentra en el desierto.
Y finalmente, Cardinale cumple con su responsabilidad
de gobernar la propiedad McBain. Se convierte por fin en Jill McBain.
Se convierte en una mujer de la frontera.
Y el úItimo plano de la película es de ella repartiendo agua
entre los sedientos trabajadores.
Los hombres la rodean, pero ella maneja la situación.
Jill es la abuela de algún gran político del siglo XX,
es el origen de la nueva América.
La cámara retrocede, los trabajadores la rodean,
el vapor del tren, el desierto, Sweetwater.
Hasta que llegó su hora.
Este audiocomentario se grabó en Los Ángeles,
París y Londres.
Quiero dar las gracias a sir Christopher Frayling, Alex Cox,
John Milius, John Carpenter, Sheldon Hall, Bernardo Bertolucci
y Claudia Cardinale por su colaboración.
Les habla Lancelot Narayan. Gracias por su atención.